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影视表演基础辅导之观察生活练习的具体内容

aviva 发表了文章 • 0 个评论 • 416 次浏览 • 2018-11-09 08:56 • 来自相关话题

观察生活是一个演员必备的职业习惯和职业特征。观察生活是演员直接从生活中吸取养料,以丰富自己对生活中各式各样人物的感受和认识。观察生活要细致入微地透过表面现象把握生活内在的实质。要通过社会上人们的表象,感受到各种人的思想情感和精神面貌。现代电影表演的美学特征是:“以生活的形态反映生... 查看全部
<p><strong>观察生活</strong>是一个演员必备的职业习惯和职业特征。观察生活是演员直接从生活中吸取养料,以丰富自己对生活中各式各样人物的感受和认识。观察生活要细致入微地透过表面现象把握生活内在的实质。要通过社会上人们的表象,感受到各种人的思想情感和精神面貌。现代电影表演的美学特征是:“以生活的形态反映生活。”这就更加突出了演员必须直接从生活中观察、模拟、吸取、体验的重要。日常生活的每时每刻都可以进行观察。在大街上、在商店里、在集市上、在公共汽车上、在饭店里、在工作中、在休息的时候等……。无时无刻我们都可以看到丰富多采、活动变化真切生活的人们的生活行为。这些不是预先想好的情景,完全是真挚自然的表露,并充满了感情色彩。只要我们留心观察,善于观察,细心观察,便会看到人的心灵深处,看到诗情画意,看到生活中的戏剧……</p><p><strong>1、观察穿着打扮<br/></strong>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;人们的穿着打扮不仅适应季节的变化,它是民族、地域、职业、地位、爱好的反映。它是人物性格和精神面貌的表露。什么样的人穿戴打扮什么‘相’,特别要注意细微的变化,这就是内心情绪变化的外观。当然,也有和身份不会的穿着打扮的特殊情况。只要仔细观察,就会发现有的人象是穿着别人的衣服似的。另外还有伪装一类的情况。</p><p><strong>2、观察道具装饰<br/></strong>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;什么样人拿什么?装什么?用什么?各有所好,各不相同。女人拿什么包?代什么首饰?男人抽什么烟?是旱烟、水烟、香烟、雪茄、还是莫河烟?人物的身份区别很大,对于人物本身值得研究。对于拿什么东西是自己的还是别人的,态度是不同的。即便是自己的东西,是马马虎虎还是精心爱护?态度也不一样。</p><p><strong>3、观察神态情绪<br/></strong>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;一个人总是生活在自己一定的精神天地里,为着一定的生活目的而活动着。虽然有外露和抑制的种种情况,但总会让我们看见的。特别是一个人的眼睛,它是心灵的窗子,隐藏不住内心情绪的秘密。脸庞上的神态、眉梢可以透出内心的喜悦、或者从皱纹的排列方向都可以感到抑制不住的心底悲痛。人的情感活动是复杂而多意的,变幻而隐藏的。这才是深刻而不是浅显的实际。千万不要简单地看表现现象。</p><p><strong>4、观察人物关系<br/></strong>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;人们的相互关系是和他们各自的地位、社会的和阶级的不同而不同。平常我们所看到的人与人的关系,即微妙又有它们不同的背景因素。在矛盾冲突或有利害关系时,最能看出人们内在的关系实质。一般情况下,两个人是什么关系?是谈公事还是恋爱?可以从行动和态度中观察出关系的程度,是初恋还是尾声?</p><p><strong>5、观察姿态举动<br/></strong>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;每个人的站、坐、行、走各有特点。有共同的,也有不同性的。舞蹈演员和运动员、工人和农民、知识分子和军人、领导干部和一般群众,在姿态举动上各个不同。职业带来的习惯动作常常为我们创作人物提供了典型的表现手段。有时衣着变化了,但从姿态举动可以看出这个人过去的历史痕迹。姿态举动是人物形象外部特征的主要之点,都会给我们留下深刻的印象。</p><p><strong>6、观察言语谈吐<br/></strong>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;什么人物说什么话,用什么词汇,用什么语气及言语的表达方式都是因人而异的。就连口头语、习惯用语也会自显特点,言语谈吐关系着一个人的民族地域、不同年龄文化修养、兴趣爱好、性格特征、表达能力,特别是在不同的情况下,都会有不同的语言内容及不同的言语形式。观察语言的个性色彩,在我们创作人物时,把生活里生动活泼的语言用上去,就会创作一个活生生的人在说话,而不是生搬硬套的非人物的言语。</p><p><strong>7、观察行为方式<br/></strong>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;一个人物的性格不仅表现在他做什么,而且表现在他怎么做。人-由于性格不同,就是遇见同一件事,具体的行为方式是不一样。仔细观察,我们就会看到不同人物所做出的千差万别、妙趣横生的行为方式来。只要我们去细细观察,它就会丰富我们在创作人物时的表现手段。</p><p><strong>8、观察周围环境<br/></strong>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;工厂、农村、机关、学校,它的环境面貌能反映主人们的精神状态。不同地方感受就不同。这和主人们的地位、性格、能力等方面是统一的。虽然有时候环境面貌不是主人力所能及的事,那是有社会的原因。但从‘拥挤’中看到‘整洁’,‘狭小’里感到‘幽静’,这和主人的性格、意志不是没有关联的。<br/>&nbsp;</p><p><br/></p>

表演专业初试、复试命题小品表演如何取得高分

aviva 发表了文章 • 1 个评论 • 363 次浏览 • 2018-11-09 08:54 • 来自相关话题

命题小品表演:初试、复试的命题小品表演主要是对考生的想象力、表现力、感受力进行考察。命题小品的考察一般会安排在自选作品朗诵之后进行一般为6-8人一组,由考官出题考生进行表演。一般在考官给出题目后考生有5分钟左右的时间进行人物和情节的构思,这主要是对演员想象力的考察。 &... 查看全部
<p>命题<strong>小品</strong>表演:初试、复试的命题小品表演主要是对考生的<strong>想象力</strong>、<strong>表现力</strong>、<strong>感受力</strong>进行考察。命题小品的考察一般会安排在自选作品朗诵之后进行一般为6-8人一组,由考官出题考生进行表演。一般在考官给出题目后考生有5分钟左右的时间进行人物和情节的构思,这主要是对演员想象力的考察。</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;在构思小品的过程中应注意几个问题:首先,怎样构思一个完整的小品;其次,怎样安排你在小品中的角色,怎样处理你与其他人的关系。<br/>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;<br/>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;<strong>一、</strong>构思完整的小品</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;考试时的命题小品与平常我们在电视和舞台上看到的小品是有所区别的,特别是在短时间内构思一个完整的适应考试的小品本许多考生看作是考试中的一个难题。当然在初试和复试时往往是6-8人一组进行小品考试,所以有些考生就把希望寄托在别的考生身上,导致自己心中无底,别人怎么说我就怎么做,这当然是不可取的。所以我们必须自己构思小品,在构思小品的过程中我们应该注意:</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;1、构思小品时要在体现命题的前提下组织好动作与规定情境。在拿到小品题目后的构思中必须紧扣题目进行小品的构思不要另起炉灶,还必须根据题目设计好规定情景和自己的行动。只有在清楚的规定情境中考生才能展开丰富的舞台行动。</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;2、小品表演中的矛盾设置。一个小品要在舞台上进行表演要让观众觉得好看必须要有一定的矛盾冲突,也就是要有问题的产生,但是往往考试时的小品受到时间的限制我们不需要把小品构思得过于复杂,往往在一个规定情境设置一个矛盾,表演就围绕这一个矛盾展开。切忌将小品复杂化,将情节设置的曲折离奇。</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;3、构思小品要合情合理。往往考生在构思小品中为了吸引考官的注意将小品的情节设置的曲折离奇忘记了这样的情节在生活中根本不可能发生,既不合情也不合理。考生在构思小品时应该符合生活逻辑不要脱离生活实际。所以考生在构思小品时一定要合情合理。</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;4、情理之中,意料之外。这是检验一个小品合格与否的最好标准。考生在构思小品的过程中,在设计矛盾的时候一定要时刻用这句话提醒自己。既要把矛盾设计的新颖独特出人意料,但也不能与生活脱节还必须做到情理之中,一个合格的考试小品只有具备了这两点才能在使考生在众多考生中脱颖而出,才能引起考官的注意。也只有做到了这两点才能使你在舞台上充分发挥,合力展开丰富的行动。</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;5、小品的构思必须有头有尾,有始有终。考生在设计小品时应该注意小品应该有头有尾,有矛盾的开始也有矛盾的化解;有始有终,有合理的出场也有合理的下场。很多考生为了追求小品内容的丰富在台上无止境的表演只有开头没有结尾,让人看不明白到底要表现什么主题或是一个很容易让人明白的事情反复表演让人觉得拖沓无味。往往出现这种现象考官会立即打断你的表演以致于你的表演不能完整地展现。所以考生在构思小品的时候要让小品不断发展尽早让观众看出矛盾,也随着表演的进行矛盾随之化解。更好的小品要做到有合理的出场,和合理的退场。也就是让考官通过你的表演知道你什么时候开始什么时候结束。这样显得小品合理连贯。</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;<strong>二、</strong>构思小品时人物关系的构思</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;1、在众多考生中脱颖而出。初试、复试的命题小品考试由于受到时间和考生人数的限制,往往是6-8人一组进行考试,那么怎样在众多的考生中让考官关注你、记住你就显得尤为的重用。通过许多考生的考试实践看来,在大的规定情境下与另外的一至两个考生合作进行表演,在不超出规定情境的范围的前提下构建一个简单的、涉及人数少的人物关系进行小品表演是比较常见的方法。因为只有人物关系简单涉及的人数少才有可能在考官面前展现你自己的表演才能。否则没有一个明确的人物关系或者人物关系过于复杂就会出现一锅烘的情况。考生自身的表演不容易被突出出来,而这么多人的表演会使人感到杂乱无章。所以一个好的考试小品往往是在一个大的规定情境中出现不同的人物关系,而一组的人物关系由两至三个人组成。这样就能方便考官清晰地看出每个考生的表演素质。</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;2、在设计人物关系时注意突出演员的个性魅力。在设计人物关系时,我们的考生可以考虑在人物的设计上尽量突出自身的个性魅力。往往一个个性十足的考生将他的生活中的个性融入到考试小品中去会给考官留下深刻的印象。也会在众多的考生中脱颖而出。当然也有很多考生一味的追求个性,而脱离了生活的实际,过度夸张地进行表现将会是一种得不偿失的后果。所以在个性的设计上一定要把握好一个度,要符合生活的逻辑。</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;3、人物设计多样化。近年来表演专业初试的命题小品表演多为环境命题表演、规定情境命题表演。所以当考生拿到考题后,必须对环境和规定情境有一个基本的了解,这个了解就来源于日常生活的积累。在有了一定了解的前提下进行人物的设计,人物的设计应该尽量的丰富化和多元化。这样可以展现出你丰富的想象力,也可以避免和别的考生重复饰演同一人物,有利于突出自己。</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;<strong>三、</strong>在小品构思好后考生将进行小品的表演,小品的表演中同样也需要注意几个问题:</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;1、表演过程中的真实感和信念感。我们常说表演讲究真听、真看、真感觉,这强调的也就是表演过程中的真实感和信念感。它是一切表演的根本,只有你相信了你的表演才是真实的符合生活逻辑的,这点也是考官考查考生的重点。</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;2、用行动代替陈述。通常所说的舞台行动包括演员在舞台上的肢体活动和心理活动以及演员的语言也就是台词。舞台上的行动是小品表演的根本,考生也应该是通过行动向考官传达信息。而往往许多考生忽视了行动一味的用语言去讲述所以表现的内容,让考官听清楚表演而不是看清楚。所以考生应该尽量避免出现此类情况。在表演小品时应该尽量展开想象丰富自己的行动。</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;3、用自己的行动改变事件的发展。在小品的表演过程中考生应该尽力通过自己的表演推动事件的发展和变化,在小品考试中往往谁的表演能推动事件的发展,他就会成为小品的主角往往他也起到了化解僵局的作用。事件的发展方向也就自然的随着他的表演向着他所设计的方向改变,同时这也改变了其他考生的表演方向,使整个小品受到它的控制。所以会格外的吸引考官的目光给考官留下深刻的印象。</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;4、在表演过程中的相互适应。短时间的构思很难使小品做到十分严密。根据大多是考生的考试经验往往小品在表演过程中会与实现的构思不太一致。因为小品的表演需要的是每个演员的互相配合而此时你又无法控制其他考生的表演所以这是最好的办法就是学会适应。在其他考生的行动发生变化时你必须迎合他的变化并且适应它。只有这样你才能随着事件的发展继续你的表演,否则你可能在台上不知所措而中断表演。</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;5、具备基本的舞台意识和观众意识。虽然考试中的命题小品表演准备时间较短不要求考生有完美的舞台调度,但是最为一个演员必须具备基本的舞台和观众意识,不能背台表演,必须语言清晰能让考官听清楚你所表达的内容,和简单的舞台调度等。</p><p><br/></p>

浅谈戏剧表演演员体验角色情感的重要性

aviva 发表了文章 • 0 个评论 • 566 次浏览 • 2018-11-08 17:25 • 来自相关话题

在掌握角色特征后,演员需要通过体验角色情感,实现真实的舞台呈现。把人物的感染力量与艺术手段的运用完美结合是演员应具备的表演意识,这种意识又名演员的双重意识,强调演员的感性表演和理性认识结合的重要性。演员在表演时要充分发挥这种能力,并忠实于自己的感受,从而塑造真实可信的角色。意大利... 查看全部
<p>在掌握角色特征后,演员需要通过体验角色情感,实现真实的舞台呈现。把人物的感染力量与艺术手段的运用完美结合是演员应具备的表演意识,这种意识又名演员的双重意识,强调演员的感性表演和理性认识结合的重要性。演员在表演时要充分发挥这种能力,并忠实于自己的感受,从而塑造真实可信的角色。意大利著名演员萨尔维尼曾经强调,演员表演时不仅要一遍两遍地感受到角色的情绪,“还必须在每次演这个角色时(无论是第一次还是第一千次),都要尽全力感受到同样强度的情绪”。这种双重生活论,认为演员“一方面需要积极感受,一面像骑师驾驭烈马一样指引和掌控自己的感受,以使观众也感我所感”。 这就要求演员仔细分析角色的行为动机和感情特征,从而让自己的肢体和情感尽可能贴近角色,实现自己与角色的统一。&nbsp;<br/>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;前苏联著名表演艺术大师斯坦尼斯拉夫斯基曾经在自己的表演专著《演员的自我修养》中表示,表演应该是“通过有意识的心理技术达到下意识的创作”。因此要求演员“在舞台上,在角色的生活环境中,和角色完全一样正确地、合乎逻辑地、有顺序地、像活生生的人那样地去思想、希望、企求和动作”。这是体验角色的核心思想所在。演员应当积极地感受戏剧人物的情感波动,而不是冷静客观地理解和表现。同时,演员应当把自己的情感充分转化成艺术的一部分,实现演员与角色合一的艺术效果。&nbsp;<br/>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;这样的美学诉求要求演员完全进入角色之中,在演员本人的性格之外,另外创造角色本身的性格及生活,从而令人信服的塑造人物形象。而且,演员通过在表演中再现现实生活中的情景和这种情景中的人物感情,创造一种最贴近生活特色的现实主义表演。&nbsp;<br/>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;<strong>《俄克拉荷马》</strong>首演排练,是严肃话剧表演体验引进音乐剧的著名范例。该剧剧本一反同时期音乐喜剧惯例,没有无端的插科打诨、做作的戏剧转折,故事平稳推进,用白描手法为观众展现了20世纪之初美国的乡村生活。剧中人物主要由朴实的乡间农民和牛仔组成,这些人物的家长里短,构成了该剧主要戏剧冲突。因此导演鲁本•马莫连要求演员摈弃从前演出中的浮夸,杜绝与人物不相关的插科打诨和夸张喜剧效果,真实的体现出乡村人朴实无华但粗俗冲动的性格特征。这一过程让非演员训练出身的男主角,后来的音乐剧巨星阿尔弗雷德•德里克十分不适应,他一直担任歌队演员,已经习惯于直立演唱保证气息的充足与稳定。马莫连则不断要求他改变这一习惯,加大观察生活的力度,学习牛仔的行为举止,例如长期骑马,牛仔走路会有轻微的罗圈腿倾向。同时,他要求德里克强化学习西南部口音,使得角色更加真实。女主角琼•罗伯茨表演风格略显古典优雅,导演建议她适当参与农活,磨练她的农妇气质。<br/>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;两人的感情对手戏是整个音乐剧中最具有挑战性的段落,因为男女主角都过于骄傲,不愿意向对方坦白,所以感情一直处在相对僵化的状态。然而,这部剧要求既要表现两人吵嘴斗气,又必须暗示两人的亲密感情,不像男女二号那样富有明显的喜剧效果。两人在排练过程中始终无法准确把握这种情感尺度,于是,马莫连让德里克和罗伯茨回忆自己恋爱过程中的斗气状态,从中找到角色相爱而抵触的情绪状态。经过反复试验,两人终于找准了角色的感觉,将歌曲中的潜台词演绎得淋漓尽致。而《俄克拉荷马》也凭借其动人而富有戏剧性的歌舞和贴近日常生活的舞台呈现,成为音乐剧发展历史上重要里程碑。&nbsp;<br/>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;音乐剧《窈窕淑女》百老汇首演版排练过程中,女主角茱利•安德鲁斯的瓶颈之一,是难以准确体现女主角伊莱沙下层社会女性粗俗泼辣的行为特征。在“你等着”段落,伊莱沙在接受希金斯教授语言训练过程中,不堪希金斯的苛刻要求,又无法当面发泄内心的愤懑,只能私下咒骂他,表示自己将来一旦发迹一定好好的折磨他,以雪心头之恨。但安德鲁斯女士一直无法体现出角色应有的情感强度。导演莫斯•哈特在排练中不断打断她,并且对她的表演提出苛刻的批评。他巧妙运用现实生活类似作品的安德鲁斯被刁难的事件,让她体会伊莱沙愤懑不堪的心情,哈特终于惹恼了安德鲁斯,她怒气冲天的回敬哈特,完美演绎了“你等着”中伊莱沙怒气冲天的戏剧效果。</p>

影视表演专业考生艺考成功的七大关键词

aviva 发表了文章 • 0 个评论 • 267 次浏览 • 2018-11-08 17:23 • 来自相关话题

 面对名牌艺术学院几百比一的录取率,谁能在面试中自如发挥?谁能闯五关斩六将笑到最后?关键词一:理智      对策:判断自己是否适合艺考。艺术不同于其他学科专业,可以通过学习和训练来使自己的专业水平得到提升。除... 查看全部
<p>&nbsp;面对名牌艺术学院几百比一的录取率,谁能在面试中自如发挥?谁能闯五关斩六将笑到最后?</p><p><strong>关键词一:理智</strong></p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;对策:判断自己是否适合<strong>艺考</strong>。艺术不同于其他学科专业,可以通过学习和训练来使自己的专业水平得到提升。除了后天的培养外,一个合格的艺术家更需要有敏锐独到的视角和艺术抽象思维。北京电影学院导演系毕业生叶凯认为,如果喜欢观察身边事物,心中有很多东西需要表达并且善于表达,可以考虑艺术深造;但如果只是拿艺术考试作为避开高考的“退路”,那接下来的四年可能会学得很苦很累。</p><p><strong>关键词二:真实</strong></p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;对策:拿出真实的自己。叶凯提醒有志报考的考生,“不要找一些专业术语恶补,那些生搬硬套的词汇经不起考官细问。比如影视类考试,如果考生能够说出‘近景、特写、蒙太奇’等术语,考官当然会欣赏;但若考生只是胡乱搬弄,考官则可能表现出厌恶。因此在考试中保持良好心态,拿出真实的自己,才是上策。”</p><p><strong>关键词三:特色</strong></p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;对策:若有特色,不怕没伯乐。上海戏剧学院大四学生郁林俊讲了这样一段故事,专业考试上出现了这样一个考题:在一张画上,一个小女孩坐在窗台上仰望着天,要求考生用自己的话来构思这一场景。考生一般会答,某一贫困山村的女孩向往美好的生活等,但一个考生却说:画中的小女孩跟我一样在企盼着一张录取通知书。考官立即给了他三试通行证。“艺术类考试题目往往没有标准答案,考生只要把握住脑中的灵光一现,就能为自己的发挥增色不少。”</p><p><strong>关键词四:得体</strong></p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;对策:穿着得体,不必浓妆。去年刚考进上海戏剧学院舞台美术系的沈蕙玮说,当初参加面试时,并没有太刻意打扮。“有些同学认为报考艺术专业的学生必须精心打扮,其实考官并不在乎这一点。真正让考官上心的是你的艺术内涵、人文修养,而服装只要得体即可。”</p><p><strong>关键词五:讨巧</strong></p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;对策:考试讨巧是王道。当自己引以为荣的特点可能在考官看来并不那么出彩时,就要想办法摸清对方的喜好,作出适当的调整——这是上海大学美术学院油画系学生徐天天的“考试经”。她说,由于报考人数很多,一名考官一天下来要看很多作品,时间长了很可能会产生审美疲劳。“有些同学喜欢用灰色调作画,这在平时可能很好,但是在考试中就不合事宜了。如果考官倾心于立体的、鲜艳的作品,只有往这方面发展,你的作品才更有可能被挑中。”</p><p><strong>关键词六:放松</strong></p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;对策:越是名牌越不用准备。当考生为准备艺考而忙得不可开交时,“过来人”平泳佳却建议考生暂缓备考进度。“艺术考试考的是学生的天赋,是对生活的理解,而不是死记硬背而来的知识点。”在他看来,考生想练就一身“内力”,并非一朝一夕就可达到,因此在考前作过多准备到头来可能只是无用功。“考生在准备上不要有负担,越是名牌的学院越不用准备,反倒是一个最真实的你更能博得考官垂青。”</p><p><strong>关键词七:准备</strong></p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;对策:知己知彼,百战不殆。当自身情况了解后,必须摸清楚对方学院招生情况。上海师范大学广播电视艺术学专业研究生戴菲列出了一个详细的备考单,方便考生在择校和面试时参考:1.登陆学校网站和论坛,或请教学长,事先获取课程设置等专业信息;2.了解考场场景,提早作准备;3、.学情况;4.准备拿手项目;5.了解两到三位专业人士情况,面试时可以稍加引用。</p><p><br/></p>

浅谈表演专业“热身训练”练习的命名原因

aviva 发表了文章 • 0 个评论 • 276 次浏览 • 2018-11-08 17:22 • 来自相关话题

所以把它称为“热身练习”是一种习惯。我记得最早是在美国从事表导演艺术的高级讲师周彩琴女士,在二十世纪八十年代初给我院带来了一套演员每天做“梳洗”用的训练练习(如在前面已介绍过的“我是一个顶天立地的大巨人”、“我是一只小蚂蚁”、“我是一个牵线木偶”、“我是刚出生的婴儿”……)。这套... 查看全部
<p>所以把它称为<strong>“热身练习”</strong>是一种习惯。我记得最早是在美国从事表导演艺术的高级讲师周彩琴女士,在二十世纪八十年代初给我院带来了一套演员每天做“梳洗”用的训练练习(如在前面已介绍过的“我是一个顶天立地的大巨人”、“我是一只小蚂蚁”、“我是一个牵线木偶”、“我是刚出生的婴儿”……)。这套练习打破了我院表演系多年来一直惯用的承继前苏联专家留下来的训练方法。周彩琴的这些练习好学好练,充分发挥了学生即兴的想象能彪力,也考验了学生平日里文学艺术的修养和积累。由于周彩鹜女士介绍的这套欧美的训练方法改变了学生冥思苦想构思小品练习的习惯,加强了形体表现力的运用,把“活跃内心的想象力”、“对想象内容的即兴感受”、“加强与内心感受相对应的;形体表现”、“对假定情境的信念与真实感的锻炼与即兴适应”等一起结合起来训练,很受年轻学生的欢迎。</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;随着改革开放的深入,西方越来越多的专家来我院作访问交流,他们带来了林林总总、样式不同但原理极为相似的训练练习,我们的年轻教师结合自己的理解和体会,也创造并发展了某些练习,使得这种训练方法逐步地丰富、完善起来。</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;最早周彩琴女士介绍的这套训练练习是演员为锤炼自己的演技而用的“天天练”,也带有每天演员在演出之前的热身准备(即像运动员比赛前所做的准备活动)。后来在有的西方戏剧家来院访问、交流中把类似的训练称作“解放天性”练习,慢慢这种练习就热络了起来。我今天仍称它为“热身练习”是回归了它的历史原意,并非独创。</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;不过,叫什么名称不是原则性的问题,明确其训练目的是主要的。</p><p><br/></p>

表演艺术的两个基本流派

aviva 发表了文章 • 0 个评论 • 625 次浏览 • 2018-11-08 17:14 • 来自相关话题

表演艺术的实质的两种对立观点之间的斗争,至少持续了两百年之久。一个时期这种观点占上风,另一个时期那种观点占上风,可是失利的一方从来没有甘拜下风。昨天戏剧界大多数人拒不接受的观点,今天又成为占主宰地位的观点。      &... 查看全部
<p>表演艺术的实质的两种对立观点之间的斗争,至少持续了两百年之久。一个时期这种观点占上风,另一个时期那种观点占上风,可是失利的一方从来没有甘拜下风。昨天戏剧界大多数人拒不接受的观点,今天又成为占主宰地位的观点。</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;两个流派之间的斗争,始终围绕这个问题:舞台表演的实质是要求演员以角色的真正的感情生活于舞台上,或者以演员的才能为基础,仅只用技艺的手法再现人的体验的外部形式,人的行为外在的一面。斯坦尼斯拉夫斯基将相互斗争的两个流派,称之为“体验艺术”和“表现艺术”。<br/>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;<br/>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;按照斯坦尼斯拉夫斯基的看法,“体验艺术”的演员力求体验角色,即每次演出,进行创作时,都要感受所扮演的人物的感情;“表现艺术”的演员则力求仅只在排演场内或排演场外体验角色一次,以便先认识表现每个角色的精神实质的感情自然流露的外部形式,然后学会对它机械地加以再现。<br/>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;<br/>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;不难看出,两个对立的流派的代表人物观点的分歧,可以归结为对表演艺术的素材问题持不同的解决方法。<br/>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;<br/>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;老科格兰认为演员毫不应当体验他所要表现的情感。解决这个问题非常简单。他写道:“演员身上存在的两个自我是彼此不可分开的。但第一个自我监督第二个自我,应居于支配地位。第一个自我是心灵。第二个自我是形体。结果演员的形体成为演员塑造自己的人物形象的材料。至于演员的“心灵”,也就是演员个人的心理方面,他的意识、理智,––整个属于作为创造者的演员,艺术大师,当然不能用作塑造人物形象的素材。<br/>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;<br/>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;“体验戏剧”的拥护者的看法截然相反,坚决主张演员的“心灵”、心理––他思维和感受的能力,才是塑造人物形象主要的素材。从他们的观点看来,演员的心理,即使不是全部,至少有一部分与人物形象融合––以人物形象的思想去思想,以人物形象的感情去感受,––不仅在创造角色的时刻,而且在任何演出,任何舞台表演的过程中,每次都要这样。<br/>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;<br/>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;这个学派的极端的拥护者要求演员做到彻底再体现,内心和形体与扮演的人物形象完全融合。如今称为“斯坦尼斯拉夫斯基体系”的学说初创时期,斯坦尼斯拉夫斯基所持的正是这种观点。俄国演员表演的现实主义学派创始人史迁普金坚决主张,演员塑造人物形象“应当从消除自我、自己的个性、自己所有的特点着手,变成剧作者给他提供的人物。”</p><p>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;“体验派”的某些拥护者持比较适中的观点。他们不要求演员完全融合于所扮演的人物形象。例如萨尔维尼谈到自己的创作,写道:“表演时,我过的双重生活,我笑和哭,同时我分析自己的眼泪和笑声,使它们能最有力地影响我想要感动的心灵。”</p><p><br/></p>

影视表演专业考试自我训练

aviva 发表了文章 • 0 个评论 • 279 次浏览 • 2018-11-08 17:12 • 来自相关话题

自我训练考生如果没有条件到正规的教育机构进行考前培训,也可以在平时做一些自我训练和考前准备工作。其实,专业考试是对考生进行“三力”“三感”的全面考察,三力指:想象力、理解力和感受力。三感指形象感、真实与信念感和幽默感。这也是平时需要考生自我训练和开发的重点,平时要注意多从生活中积... 查看全部
<p>自我训练</p><p>考生如果没有条件到正规的教育机构进行考前培训,也可以在平时做一些自我训练和考前准备工作。</p><p>其实,专业考试是对考生进行“三力”“三感”的全面考察,三力指:想象力、理解力和感受力。三感指形象感、真实与信念感和幽默感。</p><p>这也是平时需要考生自我训练和开发的重点,平时要注意多从生活中积累素材,多看一些相关的书籍来扩展自己的视野,加深对专业的理解能力。</p><p>鉴于考试的主要内容,考生可以从以下几个方面来做准备:</p><p>1、 台词部分,在选材时,要选择那些我们熟悉的、喜欢的、有创作冲动同时又能驾驭得了的文学作品,尽量不要选择那些自己不能了解消化的,距离生活太远的作品,或者文章本身很优美,但不太适合语言表达的作品。作品必须是自己喜欢的、很感兴趣的,别人认为好、推荐的作品,自己如果不喜欢,不感兴趣,即使再好,也不能作为自己朗诵的作品。选择的作品最好能有一个相对集中的情节,而且最好是感人的情节,如表现母爱、父爱、兄弟情、师生情、纯洁的友谊、高尚的品行、难忘的一段往事。。。。。。这样的内容既容易调动朗诵者的感情,也容易感动人、感染人。如果平时缺少朗诵的基础和一定的把握,不一定非要选择名家名篇。因为名家名篇的作品虽堪称经典,但也多“博大精深”,朗诵起来也有一定的难度;另外,这样的作品,主考老师一般也很熟悉,这样容易暴露朗读者的问题和不足。选择的作品其内容感情变化的幅度不宜太大。也就是说,这需要你对所要朗诵的作品有一个正确的理解,理解是创作的前提。要把朗诵作为是你的二度创作,即你要通过对文章的理解和艺术加工成为声音的作者,并非文字作者的宣读者,因为老师要了解的是你个性化的创造而非文章的内容本身。在自我训练时也不要流于背诵课文般的朗读中,总之,要抒发自己的真实的感受。当然自己写的作品也可以作为选材。</p><p>2、 形体部分, 很多没有接受过舞蹈训练的考生也许会认为,这是自己的一个弱势,从而忽视和放弃对形体的训练,而所有电影演员塑造的人物形象是靠人物的行为和形体动作来反映剧情的发展和展示人物的精神面貌,所以常言道,形体是表演艺术的基石。可见形体在表演中的重要性。不过,形体表现力通过日常的训练也能在考试中得到理想的展现,比如自己选择一些可以驾驭的动作组合、舞蹈、体操等进行认真的训练, 在训练过程中,努力提高自己身体的灵活性,协调性和可塑性,这三性是老师主要考察的内容,所以不要觉得自己不会舞蹈就放弃对形体的训练,只要认真准备,到考试的时候自然不会觉得被动和尴尬了。</p><p>3、 声乐部分,对于影视表演专业的考生来说也许并不觉得是一个非常困难的考试部分,因为唱歌已成为广大青年人日常喜爱娱乐方式,所以训练的时候也就觉得很自然轻松。不过在挑选作品时,一定要避免那些难度较大的作品,比如美声或歌剧选曲,激烈的摇滚乐也尽量回避,要选择适合自己音域的歌曲,以确保考试时不跑调,不走音,节奏准确。如果在考试时能做到不但能展示自己的声音条件,还能“声情并茂”的演绎作品这还需要平时多唱多练,并把平时训练时的轻松状态带到考试中,就可以达到比较理想的效果了。</p><p>4、 表演部分,这可能对每个考生来说都是最关心也是最重视的一个环节,考察自己是否具备表演能力和素质不仅需要内外部的条件,还需要对表演“小品”有一个清楚的认识,首先所有的小品考题都来源于生活,小品应该是生活的一个部分,这就需要考生学会看待小品的主题,并能够分析这种现象。因为演员要有演员的思维,用演员的眼光去看待选择的主题。由于考试给考生准备的时间有限,因此这需要考生自己在表演时按照生活的逻辑和顺序展开有机的行动,把注意力放到“发生的事件”上去,真实地感受需要表演的一切,把自己感觉到的真实情感表现出来,这就需要考生在平时,处处留心,多多观察,把提高对生活一切事物的感受力作为训练的内容,这样考试的时候才有可能已精巧独特的构思展现出自己的表演才能。</p><p><br/></p>

表演艺考小品构思的三大要素

aviva 发表了文章 • 0 个评论 • 288 次浏览 • 2018-11-08 17:05 • 来自相关话题

 小品表演在艺考中已经成为了表演这科的内容了,小品表演最大的难题在于可用来构思小品框架的时间比较短,通常考官只会给到几分钟的时间。很多同学因此都在为此事发愁,下面小编给大家带来小品表演构思的三大要素,理解了这三大要素,再加以练习,此事就是小菜一碟啦。  表演艺考小品构思的三要素:... 查看全部
<p> 小品表演在艺考中已经成为了表演这科的内容了,小品表演最大的难题在于可用来构思小品框架的时间比较短,通常考官只会给到几分钟的时间。很多同学因此都在为此事发愁,下面小编给大家带来小品表演构思的三大要素,理解了这三大要素,再加以练习,此事就是小菜一碟啦。</p><p>  表演艺考小品构思的三要素:</p><p> <strong> 一、情节</strong></p><p>  戏剧家认为,悲剧要具备六个成分:情节、性格、言词、思想、形象与歌曲,六个成分里,最要的是情节,即事件的安排。情节乃悲剧的基础,又是悲剧的灵魂;应该说情节中的事件乃考试小品的基础,又是考试小品的灵魂。</p><p>  一件件大大小小的事情,一系列相互有联系的事件构成情节。剧作者所选择的事件,总是最能调动他的生活经验,表明他对生活的评价并能开拓人物的思想感情的。并不是屋所有生活中的事件,都能构成艺术的情节。事件是是动作的依据,动作又引发出事件,要在事件中写出人物性格。人与事在相互影响、相互作用的矛盾关系中发生变化,事件往往改变人物动作、任务、命运,同时也改变人物与戏剧的节奏。</p><p>  <strong>二、冲突</strong></p><p>  考场上小品构思时冲突的构思十分重要。“冲突”在戏剧中、在小品的构思与表演中都占有十分重要的地位。没有冲突就没有戏剧,表演动作的本质在于戏剧冲突。好戏、好的应试表演往往是以扣人心弦、引人人胜的冲突抓住观众、征服考官,使其激动,引发其喜怒哀乐。富于审美价值的动作必然会引起冲突,或置于冲突之中,那么,它就必然会引出冲突的对立面——反动作。</p><p>  考场上小品的构思与表演应特别强调了“动作与反动作”的矛盾。因此,演员、考生在处理、组织动作时一定要将对立的反动作作为一个统一因素加以考虑,一定要将动作与反动作置于冲突中加以考虑。任何一个动作都会遇到反动作,而且后者总是会刺激和加强前者。所以,反动作能自然而然地引起一系列新的动作。</p><p>  学员或考生不论是在组织和表演一个小品,一出片断或者演出完整的戏,都不但要组织、寻找、表现好动作,贯串动作,也一定要组织、寻找、表现好反动作及反贯串动作。只有这样才能表现好冲突,体现作品的主题与戏剧性,体现人物的性格和思想。</p><p> <strong> 三、节奏</strong></p><p>  考试小品中仍应重视的课题节奏。在表演中,人物行动的速度与节奏则是规定情境与人物的心理欲求相结合的产物。演员要想正确地把握住人物行动的速度与节奏,就必须一方面认真地研究人物所处的规定情境,另一方面则要深人地挖掘人物的心理欲求。</p><p>  人物在行动中的节奏又可以分为心理节奏(或称之为内部节奏)与外节奏。心理节奏是人物的思想情感变化的强弱、快慢、长短和张弛;外部节奏则表现在形体与语言上的强弱、快慢、长短和张弛。外部节奏是内部节奏的外在禾表现,但这并不是说它们是完全一致的。</p><p>  一般来说,外部节奏是由心理节奏的变化而产生和变化的,但是在表演上,演员有时也可以利用外部节奏的变化来引起心理节奏的变化。由于人本身是一个有机的整体,外部节奏的强弱、快慢、长短和张弛的变化,不可能不影响到一个人心理节奏的变化。在完成一个行动时,如果你加强了你的动作的力度、速度和幅度,你的心理节奏就会随之产生相应的变化</p><p>  在创造人物行动中的速度与节奏时,在技法上还应该注意切忌一个“平”字。这种“平”主要表现在速度与节奏上缺少变化。有的演员认为在表演上要自然然真实,在速度与节奏上就不应该有鲜明的变化,这样整个表演就会显得“平”;而有的演员则以为总在一种高节奏中就可能会有感染力,所以在表演中总是保持着一种高昂的节奏。但实际上总是高,也就没有高了。因此演员一定要善于把握速度与节奏的变化,要有层次、有发展</p><p>  演员要表现生活、塑造活生生的人不掌握节奏的技巧是不可想象的。训练节奏的练习是从节拍机开始的,按照不同的节拍速度击掌、行走、活动等。这种由低——高的外部节奏练习实际是综合训练元素的练习。</p><p>  锻炼学员想象与构思能力,组织开掘规定情境、组织动作的能力,根据节奏的变化组织事件、改变动作节奏的能力,以及运用外部动作体现节奏激烈变化能力等等。节奏是与音乐紧密相连的,因此表演中节奏的练习离不开音乐,也就是说音乐练习、音乐小品是训练演员节奏的好方法。</p><p>  以上就是小品表演构思的三大要素了,理解了要素还不够,还需要多多观察身边的人或事,毕竟艺考的题材大多也都是来源于生活,从身边的小事观察起,能在艺考时发挥能大的用处。</p><p><br/></p>

影视表演专业关于演员需要注意的动作性

aviva 发表了文章 • 0 个评论 • 282 次浏览 • 2018-11-08 16:51 • 来自相关话题

潜台词包含有复杂隐秘的未尽之言与言外之意,它可以具体表现为一语双关、欲言又止、意在言外、言简意赅等多种形式。台词的动作性还在于它能为演员在表演时寻找准确的舞台动作提供基础。因此,台词的写作必须考虑到表演艺术创造的需要,使演员在舞台上能动得起来,把角色的内心世界形象地再现在观众面前... 查看全部
<p>潜台词包含有复杂隐秘的未尽之言与言外之意,它可以具体表现为一语双关、欲言又止、意在言外、言简意赅等多种形式。台词的动作性还在于它能为演员在表演时寻找准确的舞台动作提供基础。因此,台词的写作必须考虑到表演艺术创造的需要,使演员在舞台上能动得起来,把角色的内心世界形象地再现在观众面前。</p><p>戏剧要在有限的时空条件内,通过人物的台词在观众面前树立起鲜明的艺术形象,使观众受到感染,为人物的命运而动心,这就要求剧本的台词具有诗的特质、诗的力量。因此表演培训老师认为台词必须感情充沛,富于感染力、精炼、含蓄,力求用最简洁、最浓缩的词句来表达丰富的内容与深远的意境。除此以外,影视戏剧表演演员还要注意台词的动作性。</p><p>戏剧是行动的艺术,它必须在有限的舞台演出时间内迅速地展开人物的行动,并使之发生尖锐的冲突,以此揭示人物的思想、性格、感情。表演培训老师认为这就要求台词服从戏剧行动,具备动作的特性。台词的动作性首先在于它能够推动剧情的进展。剧本中每个角色的台词都应当产生于人物的性格冲突之中,成为人物对冲突的态度与反应的一种表露,并且能够有力地冲击冲突对手的心灵,促使对方采取新的行动更积极地投入冲突。台词的动作性更在于它能够揭示人物丰富复杂的内心活动。一般有两种表现方式,一种是直抒胸臆,一种是“潜台词”。</p><p><br/></p>

控制膈肌能力的锻炼

aviva 发表了文章 • 0 个评论 • 275 次浏览 • 2018-11-08 16:46 • 来自相关话题

1.膈肌弹发:在传统膈肌锻炼方法“狗喘气”的基础上改进后的练习。膈肌弹发与“狗喘气”的不同,一是变开口为闭口,这样可以减轻气流对喉部的摩擦;二是变无声为有声,在呼气的同时弹发“hei”音。膈肌弹发具体练法如下:第一步,深吸气后,发出一个扎实的“hei”音。要求喉部、下巴松弛,似没... 查看全部
<p><strong>1.膈肌弹发:</strong></p><p>在传统膈肌锻炼方法“狗喘气”的基础上改进后的练习。膈肌弹发与“狗喘气”的不同,一是变开口为闭口,这样可以减轻气流对喉部的摩擦;二是变无声为有声,在呼气的同时弹发“hei”音。膈肌弹发具体练法如下:</p><p>第一步,深吸气后,发出一个扎实的“hei”音。要求喉部、下巴松弛,似没有一样不用力,舌根在发H时,有前送弹动感;而胸前剑突下有明显的向上弹动感。在弹发“hei”时,必须注意膈肌的弹动与发音要协调同步。开始气与声可能会超前、先出气后出声,也可能会落后,出声了、气尚未弹出,还可能气弹出却未用在发声上,气弹了而声音仍用嗓子喊出来……等等现象,这在初练者是必然的现象.不要着急,可以慢慢地一声一声地找。</p><p><strong>这时需注意三点:</strong></p><p>一是,控制膈肌正确地上弹,既不是上腹部向外努(这样气不是外弹、而是内吞),又不是上腹部向内拙挤(这是送气而非‘弹气’)</p><p>二是,喉头部位一定要松弛,气弹出才可能弹发出&nbsp;hei音。否则气与声会脱节形成嗓子挤出的声;</p><p>三是,由于未经训练的人,有意识控制膈肌的能力较弱,在开始练膈肌弹发时,发出的&nbsp;hei音并不强,但弹发正确的hei音,是音高稍低、圆润集中、松弛宽厚的声音。在开始练膈肌弹发时,首先要注意膈肌弹发与发音的配合要正确,不必贪多、贪快、贪连续发音,只有一声、一声练得有力了,才能连续发音。</p><p>第二步,在膈肌单声弹发状态稳定的情况下,增加连续弹发hei音的次数,连发2个、3个、4个、5个、···直至可连续发7-8个hei音。连续弹发时,要注意给气的力量应该均匀,发出的hei音也需要保持一定的音量、音高、音色应始终一致。在连续弹发时,还应注意将膈肌的力量控制集中到弹发的瞬间,而在弹发间隔时、膈肌要迅速放松还原到原位。不会放松,膈肌越弹越紧张,最终会因无气可弹而力竭。只有弹发后的迅速放松才能使气不断地进入、弹出,也有利于膈肌再次积聚力量弹发。</p><p>第三步,坚持第二步连续弹发练习,数日后会获得“自动”进气的感觉,以无限制的连续发出稳定hei音时,就可进行第三步练习:由慢到快、稳劲轻巧地连续弹发hei音。</p><p>第四步,在第三步的基础上,做改变音高、音量、音色、音长的隔肌弹发练习。</p><p>类似于京剧老生的大笑状。</p><p><strong>2.随肌弹发喊操口令:</strong></p><p>胸腹联合呼吸基本状态的训练</p><p><strong>一、呼吸基本状态练习:</strong></p><p>吸气:“沿纽扣”练习,沿后背、闻花香、毛细孔扩张、抬重物、半打哈欠</p><p>呼气:叹气、发ai音、吃桌面灰、发“a”音、数数、数葫芦</p><p>感情和声音是通过气息来连结的。</p><p>(一)、体会日常生活中自然的胸腹联合式呼吸时,呼吸肌的运动及与配合。</p><p>1、取坐姿,身体重心在臀下当中椅子的前部,需满臀坐。腰直、胸含、肩松;完全自然地象叹气一样,将体内分气全部吐出来,然后从容自然地吸气。注意体会吸气时,小腹自然的外凸、两肋后部及腰两例自然张开、撑起的感觉。吸到正常的程度自然地呼气,注意体会两肋下塌、腹壁渐松复原。</p><p>2.以慢吸慢呼的方式,在第一练习的基础上,以坐姿体会稍有控制的吸气和呼气。</p><p>在将体内余气全部吐出来之后,吸气时有意识地强调“吸到肿底、两肋打开、腹壁打开、”的感觉进行慢吸慢呼。在吸气的过程中,着重体会两助后部渐张、腹肌渐渐向“丹田”集中。腹壁从松弛状渐渐绷紧“站定”的感觉。当吸气至比日常自然吸气稍多的五、六成满时,调整吸气肌、呼气肌的控制感觉;屏气一瞬间立即慢慢的呼气。</p><p>呼气时要注意两点:</p><p>一是.尽量保持两助张开支撑感(实际仍会塌下收回一些);</p><p>二是,着重体会,在这种呼吸肌的配合中、靠腹肌收缩往外送气流的感觉。这一步练习主要体会胸腹联合式呼吸方式中,腹肌参与吸气、呼气控制、特别是收腹呼气的感觉。随着呼吸控制能力及隔肌与腹肌配合能力的增强,吸气量可加大到八、九成满,只需注意呼气时,仍不要有明显地“扼喉”感。</p><p><strong>(二)、以慢吸慢呼方式体会胸腹联合式呼吸控制的基本状态。</strong></p><p>1、慢吸慢呼,数数儿,延长呼气控制。</p><p>保持正确的基本呼吸状态下、慢吸气至八成满,然后,以大约每秒一个数儿的速度数数儿:l,2,3,4.要吸一口气数数儿,中途不换气、不补气,并保证数字之间语音规整、声音圆润集中、音高一致、力度一致;出声则出气。不出声不漏气;开头的数字、气不冲声不紧,近尾的数字气不憋、声不噎。气竭则声停。注意数数儿时,声带喉头保持正常发声的通畅感,不因吸气较满呼吸肌紧张而扼喉。—般吸一口气数数儿持续时间达到30秒到40秒即完成训练要求。开始练习时,不要单纯追求所数数字的多少,重点应在锻炼呼吸发声的控制力。经过一段时间的锻炼,呼吸控制力强了,数儿便会数得多了。</p><p>2.慢吸慢呼,数葫芦。</p><p>词如下:</p><p>一口气数不了二十个葫芦,一个葫芦、两个葫芦、三个葫芦、</p><p>数葫芦的呼吸控制及用声要求,同上一个数数儿的练习。一般达到一口气能数十五个至二十个葫芦即可。由于数葫芦接近说话状态,难度较大。但是练好了更容易结合话筒前用声用气的实际控制状态。</p><p>3、练唱舒缓、抒情的歌曲,锻炼随旋律乐句延长呼气发声的能力.</p><p>这个练习是为了训练呼吸控制能力,歌唱时用本声、中低音、接近于通俗唱法练习。比如,《草原之夜》、《赞歌》、《走上这高高的兴安岭》、《美丽的草原我的家》等。&nbsp;</p><p><br/></p><p><br/></p>